Apprendre à jouer d’un instrument peut sembler intimidant, mais choisir les bonnes titres rend l’expérience plus agréable. Ce guide propose une sélection de 15 morceaux classiques spécialement choisis pour leur accessibilité.
Que vous préfériez une guitare électrique ou acoustique, ces artistes légendaires vous aideront à maîtriser les fondamentaux. Des riffs simples aux accords de base, chaque morceau a été sélectionné pour progresser étape par étape.
L’application Play Guitar Hits peut compléter cet apprentissage. Elle offre des outils adaptés aux débutants, tout en gardant le plaisir de jouer des classiques intemporels.
Introduction : Pourquoi ces morceaux sont idéaux pour débuter
Les grands noms du rock ont marqué l’histoire avec des riffs accessibles. Leur simplicité technique cache une richesse musicale, parfaite pour acquérir des réflexes.
L’importance des classiques dans l’apprentissage
Une chanson comme « Smoke on the Water » de Deep Purple enseigne la précision. Les standards des années 70-90, joués par des groupes légendaires, structurent l’oreille et les doigts.
Voici comment ces morceaux aident :
- Riffs répétitifs pour maîtriser le tempo
- Accords ouverts pour renforcer la mémoire musculaire
- Variations rythmiques pour travailler la coordination
Comment utiliser cette liste pour progresser
Alternez entre riffs et accords pour éviter la monotonie. Par exemple, travaillez un riff de The Rolling Stones, puis un accord de Bob Dylan.
| Décennie | Style dominant | Exemple de morceau |
|---|---|---|
| 1960 | Rock blues | « Sunshine of Your Love » (Cream) |
| 1980 | Hard rock | « Back in Black » (AC/DC) |
Les techniques évoluent avec chaque époque. Commencez par des morceaux lents avant de complexifier.
1. « Peter Gunn Theme » – Henry Mancini : Le riff ultime pour débuter
Un thème reconnaissable dès les premières notes, idéal pour s’initier. Composé pour une série télévisée, ce morceau est devenu un standard grâce à son riff monocordique et son groove intemporel.
Pourquoi ce morceau est si accessible
Le secret réside dans sa simplicité. Joué sur la corde de Mi grave, le riff ne nécessite que des notes répétées. Parfait pour travailler :
- La précision du médiator
- Le contrôle dynamique
- Le tempo régulier
La technique de base à maîtriser
Positionnez votre médiator près du chevalet pour un son claquant. Ce riff, souvent comparé à celui de La Panthère Rose, enseigne l’économie de mouvement.
| Élément | Conseil |
|---|---|
| Médiator | Tenue ferme, angle à 45° |
| Tempo | Commencez lentement (80 BPM) |
Repris par Duane Eddy ou dans Blues Brothers, ce morceau a marqué l’histoire de la guitare. Un must pour tout débutant.
2. « (I Can’t Get No) Satisfaction » – The Rolling Stones : Le riff qui a marqué l’histoire
En 1965, un son accidentel crée l’un des plus grands succès du rock. Keith Richards enregistre le riff avec une pédale fuzz défectueuse, donnant naissance à ce tube intemporel.
L’anecdote du son accidentel
Le son saturé devait être remplacé par des cuivres. Mais ce défaut technique devient la signature du morceau. Un hasard qui révolutionne les années 60.
Pour reproduire ce son :
- Utilisez une distorsion légère
- Jouez près du chevalet
- Maintenez un tempo régulier à 108 BPM
Travailler l’alternance des médiators
Le riff en Mi utilise des croches alternées. Idéal pour maîtriser :
| Technique | Bénéfice |
|---|---|
| Allers-retours | Précision rythmique |
| Palm muting | Contrôle dynamique |
Passez ensuite aux accords de Ré et La pour varier l’entraînement. Ce succès mondial reste un exercice idéal pour coordonner les deux mains.
3. « Smells Like Teen Spirit » – Nirvana : L’hymne générationnel
En 1991, un riff déstructuré redéfinit le paysage musical. Ce morceau de Nirvana capte l’essence d’une jeunesse désenchantée avec une mélodie addictive. Son succès planétaire en fait un hymne incontournable pour tout guitariste.
Le rôle du chorus dans le son de Kurt Cobain
La pédale Small Clone crée cet effet spatial caractéristique. Kurt Cobain l’utilisait pour épaissir le son sans masquer la mélodie. Paramétrez votre chorus avec :
- Profondeur à 50%
- Vitesse lente (0.8 Hz)
- Mix à 30% pour garder du naturel
Ce réglage donne cette atmosphère à la fois brute et enveloppante. Comme le montre ce guide des riffs légendaires, cette technique influence encore les guitaristes aujourd’hui.
Passer d’une corde à l’autre avec fluidité
Le riff alterne entre Mi grave et La. Maîtrisez cette transition avec :
| Exercice | Durée | Objectif |
|---|---|---|
| Alternance lente | 5 min/jour | Précision digitale |
| Muting des cordes adjacentes | 3 min/jour | Propreté du son |
L’application Guitar Pro propose des exercices spécifiques pour ce morceau. Commencez à 60 BPM avant d’atteindre le tempo original (117 BPM).
Le solo simplifié se concentre sur 5 notes principales. Utilisez des bends subtils pour recréer l’émotion de Kurt Cobain. Ce hymne prouve qu’une technique minimaliste peut marquer l’histoire.
4. « Seven Nation Army » – The White Stripes : Le riff le plus reconnaissable
Un riff minimaliste qui a conquis les stades du monde entier. Composé par Jack White, ce morceau repose sur une mélodie jouée avec seulement deux cordes. Son succès tient à sa simplicité et à son groove entraînant.
Ce titre est idéal pour travailler la coordination main gauche/main droite. Le son caractéristique, entre distorsion et clarté, en fait un exercice complet.
Jouer avec distorsion sans perdre en clarté
Le secret réside dans le réglage des pédales. Utilisez une distorsion légère pour garder la définition des notes. Voici les paramètres recommandés :
- Gain : 50-60%
- Volume : 70%
- Tonality : milieu légèrement boosté
Comme le dit Jack White :
« La puissance vient de la retenue, pas de la saturation. »
Le défi de chanter en jouant
Syncroniser la voix et le riff demande de la pratique. Commencez par :
| Étape | Conseil |
|---|---|
| 1. Maîtriser le riff | Jouez lentement sans erreur |
| 2. Ajouter les paroles | Chantez en playback d’abord |
Ce défi technique est un excellent exercice pour développer l’indépendance rythmique. Le son brut des White Stripes montre qu’un morceau simple peut devenir culte.
5. « The Man Who Sold the World » – David Bowie (reprise par Nirvana)
Une reprise qui a transcendé les générations. La version acoustique de Nirvana, enregistrée pour MTV Unplugged, offre une approche idéale pour s’initier aux techniques de solo. Ce morceau allie simplicité et profondeur émotionnelle.
Les bends et pull-offs pour débuter les solos
La mélodie en La mineur repose sur des bends subtils et des pull-offs fluides. Ces techniques, souvent intimidantes, deviennent accessibles grâce à ce morceau.
Pour maîtriser les bends :
- Commencez par des demi-tons avant de tenter les tons entiers
- Utilisez deux doigts pour plus de contrôle
- Écoutez attentivement la justesse de la note
Les pull-offs demandent une coordination précise :
| Doigt | Position | Conseil |
|---|---|---|
| Index | Case 5 | Appuyez fermement |
| Annulaire | Case 7 | Relâchez avec un mouvement de crochet |
L’émotion derrière la mélodie
Kurt Cobain a transformé ce titre en une ballade mélancolique. Son interprétation montre comment une technique simple peut véhiculer une intense émotion.
Trois éléments clés pour reproduire cette atmosphère :
- Vibrato large et régulier
- Nuances dynamiques marquées
- Phrasé inspiré du chant
« Je ne joue pas des notes, je raconte une histoire. » – Kurt Cobain
La comparaison entre les versions Bowie et Nirvana révèle deux approches complémentaires. La première, plus rock, la seconde, plus intimiste. Cette reprise reste un modèle pour travailler l’expressivité.
6. « Knockin’ on Heaven’s Door » – Bob Dylan : Les accords de base
Ce classique intemporel offre une porte d’entrée idéale vers l’univers des accords ouverts. Composé en 1973, ce morceau utilise quatre positions fondamentales : Sol, Ré, Do et La mineur.
Sol, Ré, Do et La mineur : les incontournables
Ces accords forment la colonne vertébrale de nombreux tubes. Leur maîtrise ouvre les portes à des centaines de chansons.
Pour des transitions fluides :
- Placez votre pouce derrière le manche pour plus de stabilité
- Gardez les doigts près des cordes entre chaque changement
- Pratiquez lentement avec un métronome à 60 BPM
| Accord | Astuce |
|---|---|
| Sol | Ancrez l’annulaire sur la 3ème case |
| Ré | Laissez sonner la corde de Mi aigu |
Chanter comme Dylan ou Axl Rose
Deux approches vocales s’offrent à vous :
- Le parlato bluesy de Dylan
- La puissance rock de Guns N’ Roses
« La vraie magie vient de l’authenticité, pas de la perfection technique. »
Pour améliorer votre voix :
- Respirez par le diaphragme
- Articulez chaque syllabe
- Travaillez les nuances dynamiques
Découvrez d’autres chansons faciles pour guitare pour compléter votre apprentissage.
Les applications comme Yousician proposent des exercices spécifiques pour ce morceau. Alternez entre jeu et chant pour progresser harmonieusement.
7. « No Woman, No Cry » – Bob Marley : La puissance des accords simples
Un hymne universel qui transcende les générations, « No Woman, No Cry » incarne l’essence du reggae. Ses accords accessibles et son groove envoûtant en font un morceau idéal pour débuter.
Les variations rythmiques pour dynamiser le morceau
Le pattern skank typique du reggae repose sur des syncopes main droite. Voici comment le maîtriser :
- Jouez les temps faibles (contretemps)
- Utilisez un muting léger pour le côté percussif
- Alternez entre accords pleins et notes étouffées
Pour le groove, travaillez ces exercices :
| Exercice | Durée |
|---|---|
| Syncopes en Do majeur | 5 min/jour |
| Transition Sol-La mineur | 3 min/jour |
L’histoire derrière cette chanson
Inspirée du Trenchtown Cultural Yard, cette chanson raconte la résilience face à l’adversité. Bob Marley y évoque :
- Les souvenirs d’enfance à Kingston
- L’importance de la communauté
- Un message d’espoir universel
« Dans la vie, tu dois choisir entre l’amertume et l’amour. » – Bob Marley
Comparez les versions live (Live! at Lyceum) et studio pour saisir les nuances. La version acoustique se prête bien au fingerpicking, tandis que le live accentue les harmoniques naturelles.
8. « Hurt » – Nine Inch Nails (reprise par Johnny Cash)
Une chanson sombre transformée en chef-d’œuvre intemporel. La reprise de Johnny Cash en 2002 donne une nouvelle dimension à ce morceau. Son interprétation déchirante montre comment un simple changement d’arrangement peut bouleverser l’émotion.
L’émotion à travers les accords
La version acoustique utilise des accords en arpèges pour créer une atmosphère intimiste. Le drop D (Ré baisse) simplifie les positions tout en ajoutant de la profondeur.
Trois techniques clés pour reproduire cette ambiance :
- Fingerpicking doux avec le pouce en alternance
- Silences stratégiques entre les phrases
- Vibrato subtil sur les notes tenues
| Élément | Version originale | Version Cash |
|---|---|---|
| Tempo | 92 BPM (électronique) | 76 BPM (acoustique) |
| Accordage | Standard | Drop D |
Adapter son jeu à la voix
La voix grave de Cash demande un accompagnement épuré. Le secret réside dans la synchronisation entre :
- La respiration du chanteur
- Le phrasé des arpèges
- Les harmoniques naturelles
« C’est la dernière chanson que je voulais enregistrer. Elle résume toute ma carrière. » – Johnny Cash
Pour travailler cette reprise, commencez par maîtriser les transitions entre Ré, Si mineur et Fa#. Ajoutez ensuite les nuances vocales à votre jeu instrumental.
9. « One » – U2 : Le gospel-rock accessible
Une mélodie gospel teintée de rock, ‘One’ de U2 marque les esprits depuis 1991. Ce groupe irlandais a su fusionner spiritualité et technique pour créer un hymne universel. Le morceau se distingue par ses accords simples et ses effets atmosphériques révolutionnaires.
L’alchimie sonore de The Edge
Le guitariste a développé un son reconnaissable entre tous grâce à des delays superposés. Sa particularité ? Trois unités de delay synchronisées créant une texture riche.
Pour reproduire cette ambiance :
- Utilisez deux delays numériques (1/8 et 1/4)
- Ajoutez un delay analogique pour la chaleur
- Réglez le feedback à 50% maximum
| Équipement | Paramètre clé | Effet produit |
|---|---|---|
| Delay numérique | 450ms | Précision rythmique |
| Delay analogique | 300ms | Ambiance chaude |
Progressions d’accords essentielles
La base du morceau repose sur quatre accords majeurs :
- Ré (x00232)
- La (x02220)
- Sol (320003)
- Si mineur (x24432)
Exercices pour maîtriser les transitions :
- Jouez chaque accord 4 fois lentement
- Alternez Ré → La pendant 2 minutes
- Ajoutez progressivement le Si mineur
« Le volume knob est mon troisième main. Il sculpte l’émotion. » – The Edge
Ce groupe a marqué les années 90 avec des effets innovants. ‘One’ reste un modèle pour travailler à la fois technique et expressivité.
10. « Wonderwall » – Oasis : Le morceau qui a défini une génération
Un simple enchaînement d’accords suffit à créer un phénomène culturel mondial. Sorti en 1995, ce morceau d’Oasis résume l’esprit des années 90 avec une mélodie addictive et des paroles énigmatiques.
La magie des trois accords
La structure en Mi mineur/La/Ré repose sur des techniques accessibles :
- Notes pédales : La corde de Mi grave sonne continuellement
- Barrés partiels : Seule l’index appuie sur plusieurs cordes
- Syncopes : Attaques main droite légèrement décalées
Pour maîtriser le rythme :
| Exercice | Durée |
|---|---|
| Alternance Mi/La | 3 min/jour |
| Ajout progressif du Ré | 2 min/jour |
Entre chef-d’œuvre et meme internet
Ce titre est devenu un meme malgré lui. Deux raisons à cela :
- Sa simplicité en fait la cible des débutants
- Son omniprésence dans les lieux publics
« Je ne pensais pas qu’on en parlerait encore 25 ans après. » – Noel Gallagher
Les versions live montrent des variations fascinantes :
- 1996 : Tempo rapide et distorsion
- 2008 : Arrangement acoustique épuré
- 2017 : Réinterprétation en fingerstyle
Les paroles cryptiques (« Aujourd’hui va être le jour ») ajoutent à son mystère. Ce morceau prouve que les grands accords transcendent les époques.
11. « Zombie » – The Cranberries : Passer du clean à la distorsion
Un cri perçant contre la violence, ‘Zombie’ marque l’histoire du rock alternatif. Ce tube des Cranberries mêle douceur mélodique et rage contenue, reflétant le conflit nord-irlandais des années 90.
L’histoire controversée du morceau
Inspiré par l’attentat de Warrington en 1993, le groupe irlandais crée un hymne pacifiste. La voix brisée de Dolores O’Riordan porte un message universel :
- Couplets doux évoquant l’innocence perdue
- Refrain saturé symbolisant l’explosion de violence
- Paroles directes (« In your head, they’re fighting »)
« Je voulais que les gens ressentent cette colère, mais aussi l’espoir. »
Maîtriser les changements de dynamique
Le morceau alterne entre distorsion lourde et arpèges clean. Trois techniques clés :
| Élément | Couplet | Refrain |
|---|---|---|
| Gain | 20% (clean) | 80% (fuzz) |
| Picking | Doigts | Médiator |
Exercices pour contrôler la dynamique :
- Jouez le riff clean en palm muting
- Activez la distorsion sans changer de technique
- Augmentez progressivement l’attaque
Le groupe utilise un chorus dimensionnel pour épaissir le son clean. Ce contraste rend la transition encore plus puissante.
12. « Free Fallin' » – Tom Petty : Trois accords pour une histoire
Trois notes suffisent parfois à raconter toute une vie. Ce chef-d’œuvre de 1989 prouve que la simplicité peut créer des émotions intenses. La progression en Mi/La/Si est devenue une référence pour les débutants comme pour les professionnels.
La magie d’une progression basique
Tom Petty transforme trois accords en une histoire visuelle. La clé réside dans :
- Le Mi majeur vibrant comme l’asphalte californien
- Le La majeur qui évoque l’horizon infini
- Le Si majeur apportant une tension résolue
Le voicing simplifié permet de se concentrer sur l’essentiel :
| Accord | Position débutant | Variante avancée |
|---|---|---|
| Si | x24442 (power chord) | x24447 (add9) |
L’art de raconter en musique
La mélodie vocale épouse parfaitement les accords. Petty crée une atmosphère avec des détails précis :
« Elle est une bonne fille, amoureuse de son monde… »
Exercices pour maîtriser le morceau :
- Jouez la progression lentement (60 BPM)
- Ajoutez le motif rythmique main droite
- Intégrez les paroles progressivement
Les versions live montrent des variations fascinantes. Le concert de 2006 au Gorge Amphitheatre révèle :
- Un tempo plus lent pour l’intro
- Des harmoniques naturelles ajoutées
- Un final prolongé en Si majeur
Cette histoire musicale reste un modèle de simplicité efficace. Comme le disait Petty : « Les grands morceaux se jouent, pas se travaillent. »
13. « Boys Don’t Cry » – The Cure : Introduction aux accords barrés
Un classique des années 80 qui ouvre les portes des accords barrés. Ce titre de The Cure combine simplicité et efficacité, parfait pour franchir cette étape clé.
L’évolution du son du groupe
Le groupe anglais a marqué les esprits avec une évolution sonore remarquable. Des débuts post-punk aux albums plus pop, leur style unique repose sur :
- Des accords clairs et précis
- Une rythmique énergique
- Des mélodies accrocheuses
Le morceau « Boys Don’t Cry » illustre parfaitement cette transition. Le tempo rapide et les techniques simples en font un exercice idéal.
Les bases pour jouer n’importe quel accord
Maîtriser les barrés ouvre un nouveau monde de possibilités. Voici une méthode progressive :
- Commencez par des demi-barrés
- Renforcez vos doigts avec des exercices spécifiques
- Utilisez un capodastre pour faciliter l’apprentissage
Pour « Boys Don’t Cry », concentrez-vous sur trois accords principaux :
| Accord | Position | Astuce |
|---|---|---|
| Mi majeur | 022100 | Appuyez fermement sur les cordes aiguës |
| La mineur | x02210 | Laissez sonner la corde de Mi aigu |
La rythmique particulière du morceau, avec ses silences stratégiques, est parfaite pour travailler le jeu en aller-retour. Le troisième temps laissé en résonance crée une dynamique unique.
« La clé est dans la régularité, pas dans la force. »
Pour progresser, alternez entre versions lente et originale. Le son jangly caractéristique s’obtient avec des médiators fins et un feedback contrôlé.
14. « Heart of Gold » – Neil Young : L’agressivité acoustique
L’approche minimaliste de Neil Young cache une intensité rare dans le folk-rock. Ce morceau de 1972 démontre comment une guitare acoustique peut produire une énergie comparable au rock électrique. La combinaison d’un riff entêtant et d’une technique particulière en fait un exercice riche.
Les coups de médiator vers le bas
La puissance du morceau vient de son jeu en downstrokes exclusifs. Cette technique demande endurance et précision :
- Mouvement ferme et régulier du poignet
- Contact constant avec les cordes
- Respiration synchronisée avec le rythme
Pour progresser :
| Exercice | Durée | Objectif |
|---|---|---|
| Downstrokes lents (60 BPM) | 5 min/jour | Contrôle du médiator |
| Accélération progressive | 3 min/jour | Endurance main droite |
Le riff mémorable
La mélodie principale repose sur trois notes répétitives. Son pouvoir hypnotique vient de :
- L’alternance entre cordes à vide et cases
- Le timing légèrement décalé
- La résonance naturelle de l’accordage ouvert
« Je cherchais quelque chose de brut et honnête, sans fioritures. »
Comparaison des versions :
| Version | Tempo | Particularité |
|---|---|---|
| Studio (1972) | 92 BPM | Harmonica prédominant |
| Live (1991) | 85 BPM | Arrangement épuré |
Pour aller plus loin, essayez l’hybrid picking :
- Médiator pour les basses
- Doigts pour les aigus
- Combinaison progressive
Ce riff intemporel reste une porte d’entrée idéale vers l’univers de la guitare acoustique énergique. Son apparente simplicité révèle une profondeur technique insoupçonnée.
15. « Sweet Jane » – The Velvet Underground : Le solo accessible
Un morceau intemporel qui marie mélodie et technique avec élégance. « Sweet Jane » de The Velvet Underground offre un solo idéal pour s’initier aux joies de l’improvisation. Lou Reed y démontre qu’un jeu épuré peut être tout aussi expressif qu’un virtuose.
Jouer sans se prendre la tête
Le solo repose sur des accords simples et des motifs répétitifs. Contrairement aux solos complexes, celui-ci privilégie l’émotion à la vitesse. Trois éléments clés :
- Des doubles stops pour enrichir le son
- Des bends subtils pour l’expressivité
- Des slides entre notes pour la fluidité
La version live de 1969 révèle une approche encore plus brute. Comparez :
| Élément | Version studio | Version live |
|---|---|---|
| Tempo | Modéré (100 BPM) | Plus rapide (120 BPM) |
| Effets | Reverb légère | Distorsion crue |
Les accords et le solo de Lou Reed
La structure en Ré majeur/La majeur/Sol majeur simplifie l’apprentissage. Lou Reed utilise des triades pour créer des harmonies riches. Voici comment progresser :
- Maîtrisez les accords de base
- Ajoutez les notes du solo une par une
- Expérimentez avec le phrasé
« Le secret, c’est de laisser respirer les notes. »
Le contraste entre les parties douces et agressives montre toute la palette de Lou Reed. Un modèle pour travailler l’expressivité avec des moyens techniques limités.
Conclusion : Votre voyage dans le rock ne fait que commencer
Votre aventure musicale prend son envol avec ces fondamentaux. Les techniques abordées – riffs, accords et nuances – forment une base solide. Chaque morceau appris accélère votre progression, comme l’ont prouvé les légendes du genre.
Pour composer vos premiers motifs, inspirez-vous des structures simples. Écoutez attentivement les albums phares de ces artistes. Une carrière se construit pas à pas, à votre rythme.
Utilisez des outils comme notre application pour mesurer vos progrès. Partagez vos versions de ces classiques et explorez de nouveaux styles. La progression vient de la régularité, alors gardez votre médiator à portée de main !